这是一个新鲜的论题，什么叫做当摇滚回到音乐呢？这绝不是我在扯口号，而是对于国内摇滚现状一个思考。国内摇滚从崔健始发，经历了九十年代初期的百家争鸣之后，一度陷入了低谷，直到上个世纪末，才以另外一个姿态重新站立起来，但这姿态被表现为“朋克”或者“死亡金属”或者所谓“金属说唱”，人们似乎可以从中看到“繁荣”，但是音乐去了哪里？乐队们究竟是在创造音乐还是仅仅在无限制的夸大自己的情绪？

　　对于摇滚乐的思考其实是对文化的一种反思。在这里不想讨论国人对于“时髦”的追随，只想从音乐的角度出发，值得让人高兴的是在一窝蜂的背后，仍有一些人在认真对待音乐，并做出创造。最近由摩登天空唱片公司推出的果味VC乐队的《双重生命》专辑便是一例。

　　专辑的第一首作品叫做《模糊》，但它其实并不模糊，反而很清晰，一段简洁的分解和弦之后即转为清澈的失真扫弦和Solo，“丢弃自觉和方向”的不是主唱的嗓音，在欣赏的同时，你会意识到“没有阻碍和匆忙”的正是年轻的美丽。我想把这首作品放在专辑的第一位，自有一定用意，一方面是出于音乐整体的考虑，另一方面该是乐队对其早期生活状态的一个记录和怀念。

　　从被收录在《摩登天空3》的《飞行器》到今天的《超音速列车》，也许正是果味VC对于科幻的喜爱？冰冷的旋律和冰冷的配器并不能够掩盖了乐队热情的一面，即便是音乐中所展现出的迷幻，也并不能够将他们的真诚所遮盖。这是乐队的第一主打歌曲，在这里我们可以猜测一下摩登天空的用意，是否歌名之中意味着什么，他们称果味VC乐队为“The next big scene”即“下一个大牌”。这首歌曲中并没有强烈和暴躁，反而运用了大量纯净的箱琴音色，极美。从中可以看出他们其实并不偏执，但他们除了一份年轻人特有的“酷”之外，透过音乐所表现出的天真也正是他们最为可爱的地方了。

　　但是接下来的《年轻人》却一下子把力度加大，其实这是一首简单的作品，乐队不外乎是想通过这首歌曲对现代年轻人的“泡沫生活”进行一下简单的讽刺而已。值得一说的是副歌部分转调的运用让人觉得非常舒服，主唱的唱功亦可圈可点。

　　《Love Me, Girl》是专辑中我最为喜爱的一首，跳跃的前奏，丰富的配器，精良的制作，少了年少的轻狂，虽然表现的是年轻的情感波动。木吉他的铺底，失真吉他的Solo，以及主唱诉说一般的演唱：当你喜欢的一个女孩子，她的生活方式与你完全不同，你还会继续去喜欢她吗？乐队将这种矛盾与无奈很巧妙的表现了出来。在歌曲结束部分对于鼓声的效果处理，仿佛把人带回到了Beatles的时代(而且这歌名和Beatles的《Love Me Do》何其相似？)。

　　体会了《基因》中的箱琴反切，《北欧洲》中通过音色和节奏表现出的异国情调之后，我们来欣赏一下《透明》吧。透明的吉他、透明的贝斯、透明的鼓以及透明的歌声，怎能不让人遐想呢？歌词应该是表现了乐队对于生活的热爱，对于生命的敬畏，以及对于时间的感叹，整首歌曲被优美的旋律所覆盖，人声中加入的auto-tune效果使歌曲极具国际水准，而回归摇滚本质的吉他Solo却带出了些许的无奈。在高潮部分对人声效果的处理更加烘托出乐队对于“透明”色彩的把握。

　　《Big Bang》是一首纯英文歌曲，语言的关系让我忽略了歌词中的内容，把更多的注意力放在了音乐之中。高潮部分的左右声道的立体声切换很抓人，间奏中，我再一次被箱琴的纯净所感染。而结尾部分巧妙的加入了Roland808鼓机节奏，给人遐想，在这点上我不得不钦佩制作人张亚东的魔鬼才华。

　　《十四层》与所有其他歌曲所不同的地方在于它展现了果味VC“地下”的一面，这是专辑中最为噪音的一首歌曲，谁知道他们怎么想的，也许是想尝试一些不同的味道吧？

　　到了最后一首了，这首标题作品《双重生命》应该并不能够全面表现出乐队的整体水准，“赋予我双重生命”是一份如信徒般虔诚的祷告，如同失眠之后的反思，低调却充满意境。老钢琴和老吉他的音色，左右声道中循环的声音，让人遐思，是否人们对美都有一种近乎疯狂的向往？音乐，究竟是被人所创作，还是它本来就存在而被敏锐的耳朵发觉？每一重生命，将以何种载体所承受，最终的归宿将是哪里？

　　摇滚并不仅仅是音乐，但是摇滚却必须是以音乐作为基础，摇滚一旦背离了音乐，也就失去了它的生命基础，那么不论它是多么疯狂抑或华丽，也将如雨夜的火把瞬间熄灭。《双重生命》的出版给了我们一份美好的希望，它让“摇滚”再次回归到了“音乐”的基础之上。也许这张唱片的策划者将其定名为“双重生命”，也有这方面的用意吧。文/黑刀

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