香港国际电影节举办至今已经是第29年头了。它从来不把跻身顶级国际电影节视为终极目标，反而更加刻意地追求“与民同乐”的理念，今年更是把这一宗旨发挥到了极致——会期延长到了16天(3月22日——4月6日)，会展内容也超过了30项，把“影迷嘉年华”进行到底的决心看来是异常坚定了。电影节几乎搜集到上年度所有最值得一看的电影，因此电影节放映的338场电影，127场已满座，还加放了24场，出票率达70%；发行1000张的面值1200港元的“影痴通行证”，已全部售完。
电影节除保留节目开闭幕式之夜、香港电影面面观、公开座谈会等单元外，这次还增设了“光影星辰——全新观影体验”单元，把亚洲最大的充气银幕搬到了星光大道上，放映的内容既有怀念张国荣和梅艳芳的《胭脂扣》，也有手冢治虫的实验动画系列，还有偶像味道十足的新片《起码做过星》。除了揭开中国电影百年的庆典、电影海报及剧照展览，还有杜可风的多媒体作品展和都会短片创作大赛。
香港国际电影节很在意本土形态，于是刘德华和孙瑜就成为“焦点人物”。
香港国际电影节也格外重视“国际性”，它的包容性、前瞻性和实验性都值得我们细细体味。
大师级作品让观众学会欣赏和鉴别
香港电影节使许多影迷趋之若鹜的重要理由是：它几乎可以搜集到上年度所有最值得一看的电影，只有你想不到的，没有你看不到的。这次也不例外。
中国台湾导演侯孝贤的第一部日本电影《咖啡时光》作为“颁奖礼之夜”的重头电影，不仅因为它是一部纪念小津安二郎诞辰百周年的作品，更因为它的简约与反戏剧性在“娱乐电影大行其道”的当下倍显珍贵。
把大师们的作品集结一堂，并非要大家顶礼膜拜，而是要观众在眼花缭乱之余，学会更细致地欣赏和鉴别。显而易见，对于每部大师作品的放映安排，香港国际电影节都有着自己独特的意图。
伊朗导演阿巴斯的数码电影《伍》，来自他在海边写剧本时妙手偶拾的五个长镜头，看过才知道，原来数码电影表现的也不全是前卫的，它有时也可以变得传统。同样是阿巴斯，他的另一部作品《10重拾》，纪录片的风格，以自己的创作，来教观众如何拍摄电影，好像一本《新手指南》，影迷既能了解他那些经典之作的来龙去脉，又可以通过十堂课的生动展示得到不少启示。不一样的电影语言，却同样体现了阿巴斯电影实践的心路历程。
美国导演罗伯特·奥特曼1988年的《选情告急》和2004年的《影人告急》，俨然是一个真人秀式的系列电影——前者讲述一个政客的竞选之路，后者呈现这位政客的女儿想成为电影人的各种经历。这种安排让人看出，通过间隔16年的对比，导演不仅没有疲态，而且还显示出更加超然的冷静直观。
日本国宝级导演山田洋次的新作《隐剑鬼爪》虽然刚刚在柏林电影节上落败，但还是被作为本届电影节的力荐影片，生活在幕府年间的武士，虽然和我们相距遥远，但导演对于人物心理细腻的把握和场面的张弛有度，还是让人赏心悦目。
大师可以成就经典，大师也会廉颇老矣。新浪潮的先锋人物戈达尔拿出了他酝酿已久的《神曲》，从形式到内容，都试图创造新意，可是当他自己站在镜头前，面露哀伤时，人们也许真的可以体会那种江郎才尽的悲凉心情。沉寂多时的维姆·文德斯用DV对准自己长期寄居的美国，新片《迷失天使城》延续了他一贯的主题，故事却变得如此陈旧，不是没有了意象，而是缺少了想象。
新世代作品与数码电影全接触
DV、IMAX、数码影像的涌入给电影带来的冲击是前所未有的。数码真的可以取代胶片吗？事实胜于雄辩。
入选“新世代”单元的五部电影可圈可点，代表香港电影上世纪90年代的《阮玲玉》和日本第一部彩色剧情片《卡门还乡》，以及宣称电影已死、要拿数码缔造个人时代的彼得·格林纳威“流亡三部曲”中的《浪荡法兰西》和《二十世纪终结》，还有英格玛·伯格曼的封箱之作《夕阳舞曲》。
为了验证“没有历史，只有历史学家”的“真理”，激进的彼得·格林纳威拿起数码设备，在短短的一年间，完成了两部长片、相关的书籍、网页、DVD、互动光碟、16集同名电视剧……20世纪的艰难旅程似乎都要被他概括进他的“流亡三部曲”，可是，还远远不够，数码可以再现多元的视觉和复杂的哲学。然而，数码的层次、鲜活、色泽，还是比不上胶片，毕竟胶片已经有100多年，数码才刚刚起步，一切取代与更替还言之尚早。
22个春秋过去了，人们才盼来英格玛·伯格曼的新作，这次也许真的是绝世之作，这位87岁的电影老人在他的《夕阳舞曲》，请来了他的前妻丽芙·乌尔曼和他的爱将艾伦·约瑟逊重出江湖，演绎了一对老情人多年以后重逢，想拯救已经沉沦的孙女，却又无能为力的故事。在伯格曼镜头里，不会出现《金色池塘》的宽容体谅，只有漫漫思虑延绵无期。影片采用高解像技术拍摄，因为对其转成胶片的效果极不满意，伯格曼拒绝了戛纳和威尼斯的邀请。尽管年事已高，但大师的固执依旧，在香港能看到他的作品也算是种缘分吧。
怀旧篇重温前辈辉煌
香港国际电影节的人物单元从来都是兼顾新旧的，这次的关键人物是“迈克·史诺”和“木下惠介”。
对迈克·史诺(MICHAEL SNOW)的名字倍感陌生完全情有可原。这位画家出身的加拿大电影诗人，是一位元老级的实验电影先锋，他的电影创作很多时候更像是一场行为艺术，涉及到绘画、雕塑、摄影、音乐等诸多领域，以质疑的态度对电影的主题进行解构。他的作品往往不是你一次就可以看明白的：比如他的《波长》(Wavelength)，拍摄于一间位于纽约的工作室，在45分钟的片中，固定的摄影机不断地往前移动，一直到让观众产生触手可及的错觉为止。摄影机的另类运动、360度的旋转、镜头变焦与失焦、单格的不连续拍摄……如果没有迈克·史诺们的大胆尝试，我们的银幕又怎会有今天的绚丽多姿呢？
“我喜欢人们彼此有美丽而单纯的关系。要让世人互相了解、和平相处，就靠这样的关系。我们必须心有所信。”这是与黑泽明同时代的日本影坛巨匠木下惠介的人生格言。
从影55年、拍摄49部电影，与小津安二郎共同挑起“松竹映画”重担的木下惠介，被人誉为难得的“天才”，他可以用《日本的悲剧》抓住时代的变革，也可以让《楢山节考》复活古典戏剧的魔力，他还可以用《24只眼睛》吹响反战的号角。
逝去的电影和电影人都是留给后人来评说的。往昔的辉煌难以重复，今日的怀念就更显得意义重大。
240部影片登场亮相，放映场次达338场，影迷有至少5种以上的途径进入影院，这使得香港国际电影节与那些日渐萎缩的“专业人士”电影节有着天壤之别。电影节，本来就该把电影的“快乐”交给观众，由此电影节才能跳出电影界自娱自乐的小圈子，成为影人和大众的共同节日。戴妍/文
