BY 路涌
作为20世纪最重要的法国当代时尚摄影师之一，盖·伯丁的作品首次在北京的中国美术馆和上海美术馆展出。
这样一来，他的作品等于向整个中国的意识形态展现出另类的面目。
20世纪70年代是盖·伯丁的辉煌岁月，许多顶尖的时尚杂志上都采用他的照片。他的时装和广告摄影作品突破了传统时尚摄影的桎梏，形成强烈反差。盖·伯丁通过悉心设置的叙事氛围，引领观众进入一个充满魅力、欢愉、危险和焦虑的奇幻世界。盖·伯丁摄影作品的基本意义在于他的一种理解，即：诱惑并吸引我们的不是时尚本身，而是时尚的形象。
在上海美术馆的展厅内，相信每个观众都有这样的观感，那些色彩单纯的女人，与她们表现的别有意味的动作，在刹那间最能打动人心的，便是一种性感的力量。她们想做什么，并不是主要的，而在于她们的动作本身，已经呈现出后工业时期被挖掘出来或小心保留下来的美感。这些图片本身还有一个神奇的地方在于，看似充满了商业企图，但你看不到向商业屈服的媚眼。而正因为在商业广告充斥的城市里，它的面目是何等的相似——与我们的生存环境呼应，因此容易获得一种认同感。也许你稍稍会有一点刺痛，毕竟，这些形象对我们思想的干扰是明显的。
但我们被触动的原因在于：盖·伯丁的时尚摄影核心是与商业形象塑造本质的对抗。他的摄影作品体现了另外一种激进的理念：利用豪华的装饰来展现时尚，而并非仅仅依赖其摄影作品主题。他将幻想、欲望、消费与期望大胆地夸大并予以突现。
上世纪70年代的法国，世界时尚之都，社会要求改革，性解放在弥漫，消费文化筋疲力尽，媒体的力量在提高，暴力充斥在电视、电影里，而盖·伯丁也达到了最成熟的阶段。在这段时间，盖·伯丁对图片的探究和构图变得更开放，优美和具有煽动性，从而突破了专业摄影的惯例。
他技艺精湛、充满神奇魔力的影像作品激起了世界顶级杂志的兴趣。
他在通过杂志这一媒介对影像创造方面表现出了高超的技艺，摄影作品扩展了当时时尚摄影构成元素的界限，并在今天对时尚摄影仍然产生着激励和影响。
与盖·伯丁相比，我们应该明白，在中国，真正意义上的时尚摄影师还没有诞生。技术之外，我们的商业环境还不够成熟，摄影观念还没有充分解放，摄影家过去承当着很重的政治使命，现在则热衷于追逐司空见惯的热门题材，热衷于参加各种大奖赛，这样的作品除了技术上能够推动摄影器材的大量引进，却无法打动观众的心灵。即使是时尚题材的抓取，要么膨胀着自我欣赏的欲望，要么明目张胆地为媒体服务，都逃不脱商业意图的嫌疑。找回自我，是中国摄影家必须完成的回家作业。
