《如梦之梦》在舞台设计上别具一格，舞台中央的“莲花座”是观众席，演员可在四周行走。

《如梦之梦》剧照。李宇春（右）在该场景中饰演了一位医生。

　　早报记者 潘妤

　　毫无疑问，赖声川[微博]导演的《如梦之梦》是今年戏剧界最大的文化事件之一。即使之前有《蒋公的面子》这样的黑马横空出世，但和一个学生习作的意外之喜以及关涉思想解放的话题相比，《如梦之梦》终究是以庞然大物的姿态，引起了一场更关乎戏剧本身的震动。

　　上周末，经历了两个星期的日夜轮转，这个史无前例的演出在上海轰轰烈烈落下了帷幕。谢幕时激动的掌声喝彩，会包裹住每一个身在其中的观众和演员。而在东方艺术中心的10轮20场演出，最终收获了将近1200万元的票房，除了莲花座内1680元至2013元的最高票价有少量剩余外，所有20场演出几乎全部满座。虽然这样的数字不过是和高昂的演出成本打了个平手，但终究创造了上海乃至中国戏剧演出史上的众多第一。

　　充满探索精神的一次实践

　　8小时的演出时长、四面环形舞台的观剧体验，许晴、胡歌[微博]、李宇春等一线明星的加入，使得《如梦之梦》的演出拥有太多的话题。而大幕落下喧嚣散去，话题背后，也许更需要严肃的艺术评论。

　　有意思的是，所有看过或者没有看过这出戏的人，当听说谁“看过”这出戏后，往往都会问一个问题：“怎么样？”

　　怎么样，这是一个太难回答的问题，因为它太大，具有太多评述的可能、太多置评的角度。“好”或者“不好”，都不是“怎么样”的合适答案。

　　面对《如梦之梦》这样一部充满雄心和野心的作品，讨论“好”或者“不好”，似乎低看了它的追求。我们也许更应该讨论，它是否足够伟大。

　　然而，一切评论都是主观片面的。评价一个作品是否伟大，不同的坐标体系，就会有不同的结果。

　　对于赖声川和表演工作坊而言，《如梦之梦》是里程碑式的作品。它是一个导演充满探索精神和虔诚态度的伟大实践。在2000年的华语剧坛，这个源于学生工作坊的剧场行动，开创了一段新的历史。

　　对于整个中国话剧史而言，《如梦之梦》是可以载入史册的。如此特殊的观剧体验、如此强大受瞩目的演员阵容，如此恢宏并充满理想主义的制作，如此具有全国影响的轰动效应，都是国内话剧舞台前所未有的。

　　对于当下中国剧坛而言，《如梦之梦》是难得好看、精美的剧目，难得有如此严肃艺术追求的创作。但，你也很难说，上海话剧中心创作的《商鞅》和《艺术》、北京人艺刚来上海演出过的《窝头会馆》和《原野》，或者刚在北京演出过的《寇流兰大将军》和《白鹿原》，甚至于赖声川自己的《宝岛一村》，会不如这个戏好看，不如这个戏来的有追求。

　　不同的坐标体系，不同的评判结果

　　对于一部“史诗剧”而言，赖声川自己找到的比照对象是大师彼得·布鲁克9小时剧长的《摩诃婆罗多》，中国观众没有机会一睹此剧，也就无从比较。但同样庞大的体量，上海观众记忆犹新的是德国科隆歌剧院的四本歌剧《尼伯龙根的指环》，还有上海昆剧团连演三天的全本《牡丹亭》和连演四天的全本《长生殿》。虽然在艺术形式上并不完全具有可比性，但在“史”和“诗”的境界上，这些人类史上的伟大著作，显然还是占据了更高的高度。

　　有美国戏剧教父之称的罗伯特·布鲁斯汀在乌镇看完《如梦之梦》后赞叹，这个戏创造了一种新的形态。事实上，在日新月异的世界戏剧舞台，每天都在发生着一些革命性的创造。如果你去一趟爱丁堡戏剧节或者阿维尼翁艺术节，就会很容易地发现，原来，21世纪的戏剧已经可以这样，如此超乎想象。而《如梦之梦》正是，也只是其中之一，无论是叙事的方式、舞台的形态，乃至所有一切剧场呈现。但仅仅只是这些与众不同，就足以让国内的观众目不暇接、眼花缭乱，充满新奇。

　　然而，《如梦之梦》是难得的。难得的是，赖声川是一位华人导演；这种新的形态，属于我们中国的话剧舞台；难得的是，这个戏中所有神秘主义和宗教精神的东西，都属于东方哲学。当然，最难得的是，这个戏，把所有这些难得，融合在了一起，在全世界范围，独此无二。

　　从这个角度说，《如梦之梦》是一部了不起的作品。

　　想起《蒋公的面子》在收获铺天盖地赞美之际，这个戏的策划者和导演吕效平给自己定下的一个坐标体系：“如果你知道中国当下戏剧创作的现状，你就知道《蒋公的面子》是当前一流的戏剧之一。但如果你知道世界戏剧的现状，你就知道，《蒋公的面子》不过是一个大三学生的习作而已。”

　　这是一种清醒和自省的智慧。

　　关注《如梦之梦》的反响，有太多可以赞美的话语，太多可以铺陈的花絮，太多可供回味的热烈。但有时候，这也会让人忘记了，它最终是一部值得探讨评判的舞台剧，一次充满尝试探索的艺术创作。

　　有时候，这种坐标评判，在烂戏如云的中国剧坛，对于《如梦之梦》并不公平。但对于历史并不那么悠久、视野并不那么开阔、创作并不那么活跃的中国戏剧而言，保持着一份不偏激、不迷信的清醒，也许更值得鼓励。